오르피즘

로베르 들로네 (1912년경) 《도시를 향한 동시적 창문》 함부르크 쿤스트할레

오르피즘 또는 오르피즘 입체주의는 입체주의의 파생 분파로, 순수 추상과 밝은 색채에 집중한 시각 예술 사조이다. 오르피즘이라는 명칭은 그리스의 악신(樂神) 오르페우스(Orpheus)에서 연유한 것으로, 1912년 프랑스의 시인 기욤 아폴리네르가 명명(命名)하였다. 전통 입체주의가 엄격한 기하학적 구성에 따라 색채를 경시하고 색채를 선의 종속적인 요소로 떨어뜨리는 데에 반대하며, 색채야말로 회화의 본질적인 구성요소이며 그 다이나믹한 힘을 화면구성의 기본으로 하려는 것이 이 파의 주장이다.

오르피즘은 야수파, 폴 시냐크, 샤를 앙리, 그리고 염료 화학자 미셸 외젠 슈브뢸의 이론적 저술로부터 영향을 받았다. 입체주의에서 추상 미술로 넘어가는 과정에서 핵심적인 역할을 한 이 운동은 프란티셰크 쿠프카, 로베르 들로네, 소니아 들로네가 주도했으며, 이들은 단색조 위주였던 큐비즘 시기에 색채의 사용을 다시금 부활시켰다.

오르피즘 예술은 색채와 빛의 효과를 깊이 탐구한다. 오르피즘은 근대 기술으로이 시간과 공간에 대한 인식을 변화하던 1910년대 초에 시작되었다. 오르피즘에 참여한 예술가들은 색채, 형태, 움직임의 변혁적 가능성을 탐구했다. 이 양식에 속하거나 영향을 받은 예술가로는 마르셀 뒤샹, 메이니 젤렛, 프란시스 피카비아, 아마데우 드 소우자-카르도주, 스탠턴 맥도널드-라이트, 모건 러셀 등이 있다.

역사

파일:František Kupka - Katedrála - Google Art Project.jpg

프란티셰크 쿠프카 (1912-1913년경) 《대성당》 캔버스에 유채, 180 x 150 cm, 캄파 미술관, 프라하, 체코

오르피스트들은 입체주의에 뿌리를 두었으나 순수한 서정적 추상으로 향하는 경향이 있었다. 이들은 예술을 감각과 색채의 통합으로 보았다. 감각을 중시했던 그들은 알아볼 수 있는 대상을 출발점으로 삼아 이를 추상적인 구조로 묘사했다. 오르피즘은 형태와 색채에만 전적으로 집중함으로써 식별 가능한 대상을 제거하고자 했다. 또한 이 운동은 '동시성(Simultanism)', 즉 끊임없이 상호 연관된 존재 상태라는 이상을 추구다.

폴 시냐크와 샤를 앙리가 신인상주의 색채 이론에서 주장한 빛의 스펙트럼 분해는 오르피즘 발전에 중요한 역할을 했다. 로베르 들로네, 알베르 글레즈, 지노 세베리니는 모두 앙리를 개인적으로 알고 있었다. 수학자이자 발명가, 미학자였던 샤를 앙리는 상징주의 작가 펠릭스 페네옹과 귀스타브 칸와도 절친한 친구였다. 그는 또한 조르주 쇠라, 폴 시냐크, 카미유 피사로를 알고 있었으며, 1886년 제8회이자 마지막 인상주의 전시회에서 그들을 만났다.

앙리는 '정서적 연상 이론(emotional associational theory)'을 예술의 영역으로 도입했으며, 이는 결과적으로 신인상주의자들에게 영향을 주었다. 앙리와 쇠라는 예술의 기본 요소인 선, 색채, 형태가 마치 단어처럼 독립적으로 다루어질 수 있다는 점에 동의했다. 즉, 이 요소들은 예술가의 의도에 따라 각각 고유한 추상적 속성을 가지거나 서로 화합할 수 있다는 것이다. 1889년 페네옹은 "쇠라는 선이 형태를 묘사하는 역할을 넘어, 색채 입자나 관람자의 정서와의 관계와는 별개로 그 자체로 평가 가능한 추상적 가치를 지니고 있음을 잘 알고 있다"고 기술했다. 신인상주의의 기저를 이루는 이 이론은 들로네의 작품에 지속적인 영향을 미쳤다. 신인상주의자들은 색채 영역에서 자신들의 회화를 위한 객관적 과학적 기반을 확립하는 데 성공했으나, 이는 빛의 스펙트럼에 관한 것에 한정되었다(물감 안료의 경우 결과는 덜 과학적이었다). 입체주의자들 또한 색채, 형태, 역동성 측면에서 이 이론을 어느 정도 차용했다.

아폴리네르

소니아 들로네 (1914년경) 《전기 프리즘》, 캔버스에 유채, 250 x 250 cm, 국립근대미술관, 퐁피두 센터 파리

아폴리네르는 1912년 황금분할파 살롱 연설에서 프란티셰크 쿠프카의 순수 회화를 언급하며 오르피즘이라는 용어를 사용했다.

1913년 저서 《입체주의의 화가들》에서 아폴리네르는 오르피즘을 "예술가가 시각적 현실에서 가져온 것이 아니라, 스스로 온전히 창조해낸 요소들로 새로운 전체성을 그려내는 예술"이라고 묘사했다. 아폴리네르는 오르피즘 화가의 작품이 "'평온한 미적 즐거움', 의미 있는 구조와 숭고한 중요성'을 전달해야 한다"고 주장했다.

이러한 유추는 프란티셰크 쿠프카와 바실리 칸딘스키의 작품에서 볼 수 있다. 두 예술가 모두 시각적 영역과 청각적 영역에서 과학적인 요소를 종합하고자했으며, 이를 통해 추상을 통한 가능성을 한 차원 높였다. 로베르 들로네와 소니아 들로네는 전등 빛을 소재로 그림을 그렸으며 그림 자체에서 빛이 발산될 수 있다고 믿었다.

전시회

1912년의 황금분할파 살롱은 오르피즘을 대중에게 처음 선보인 전시회였다. 1913년 3월에는 파리의 앙데팡당 살롱에서 오르피즘이 전시되었다. 아폴리네르는 몽주아(1913년 3월 29일)에 실린 살롱 비평에서 입체주의를 대신해 오르피즘을 지지하며 다음과 같이 주장했다. "입체주의가 죽었다면, 입체주의 만세! 오르페우스의 왕국이 도래했다!"

데어 슈투름의 헤르바르트 발덴이 조직한 1913년 베를린의 가을 살롱(《에르스터 도이처 헤릅스트살롱》)은 로베르 들로네와 소니아 들로네의 작품, 장 메챙제의 《푸른 새》(1913, 파리 시립 근대 미술관), 알베르 글레즈의 《축구 선수들》(1912-1913, 내셔널 갤러리 오브 아트), 피카비아와 레제의 회화, 그리고 여러 미래주의 작품을 전시했다. 이 전시회를 기점으로 아폴리네르와 움베르토 보초니가 '동시성'의 모호함에 대해 언쟁한 후, 아폴리네르와 들로네의 관계는 소원해졌다. 아폴리네르는 이후 저술에서 더 이상 오르피즘이라는 용어를 사용하지 않았고, 대신 피카비아, 알렉산드르 아키펭코, 미래주의 개념을 홍보하기 시작했다.

들로네 부부

로베르 들로네 (1911년경) 《마르스 광장: 붉은 탑》 시카고 미술관

로베르 들로네와 그의 아내 소니아 테르크 들로네는 오르피즘 운동의 주요 주역이었다. 그들의 초기 작품들은 야수파의 색채에 집중했으며, 추상적인 정도는 다양했다. 소니아의 1907년작 《핀란드 소녀》와 로베르의 1906년작 《원반이 있는 풍경》이 그 예로, 전자는 순수 색채에, 후자는 색채와 모자이크 같은 붓놀림에 의존했는데, 이는 당시 신인상주의자였던(상당히 분할주의적이고 야수파적인 요소를 가졌던) 장 메챙제의 영향을 받은 것이다.

들로네는 1912년 입체주의와 공식적으로 결별했는데, 피카소가 정물화의 팔레트를 갈색과 회색의 차분하고 금욕적인 같은 톤으로 제한했다는 점과 구상적 이미지의 흔적을 유지한 것을 비판했다.

오르피즘이 제1차 세계 대전 이전에 사실상 해체되었음에도 불구하고, R. 들로네의 제자인 미국 화가 패트릭 헨리 브루스와 아서 버뎃 프로스트 주니어는 1912년부터 유사한 형태의 예술을 시작했다. 싱크로미즘의 모건 러셀과 스탠턴 맥도널드-라이트는 들로네 부부의 오르피즘과 자신들을 차별화하기 위해 독자적인 선언문을 작성했다.

같이 보기

• 순수주의
• 신조형주의
• 크리스탈 입체주의
• 오르페우스 (희곡)

외부 링크

• MoMA Collection: Robert Delaunay
• MoMA Collection: Sonia Delaunay
• MoMA Collection: František Kupka^{[link removed]}
• Agence photographique de la réunion des Musées nationaux
• 《조화와 불협화음: 1910~1930년 파리의 오르피즘》 전시회, 솔로몬 R. 구겐하임 미술관, 2024년 11월 8일 ~ 2025년 3월 9일. 카탈로그